Esta obra genuina fue pintada por Fernando Botero en 1958 y comprada por el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1961. En ésta, el pintor colombiano da un punto de vista irónico a su cuadro, inspirándose en el arte de Goya y Velázquez, entre otros.

'La Mona Lisa a los 12 años' es una obra muy sensual donde resalta el volumen de la niña pintada. Las obras de Botero son originales por el grosor de los cuerpos que pinta, estilo denominado como 'Gordismo'. Esta técnica la consiguió estudiando a sus grandes maestros y aplicando su estilo propio dándole mucha fama y reconocimiento a nivel mundial.

El 'Gordismo' se trata de un arte figurativo donde marca la máxima expresión en el volumen de la figura. Botero ha realizado miles de retratos a mujeres en donde sus formas adquieren grandes proporciones. Para el pintor colombiano "la mujer es el tema más ortodoxo, más inmediato y más maravilloso que tiene la pintura en toda su historia", como ha declarado en algunas ocasiones.

Fernando Botero adora y admira a la mujer, protagonista principal en suscuadros, esculturas y bocetos. Es uno de los artistas contemporáneos que más ha pintado figuras femeninas desde reinas, madres, hijas hasta, incluso, prostitutas.

'Woman I'('Mujer I) pertenece al periodo de la madurez de Willem de Kooning, a principios de los años cuartenta. Esta obra, expuesta en el Museo de Arte Moderno, pasó por muchas transformaciones hasta que finalmente la terminó en 1952. Será una etapa de diez años donde se centra en crear distintas obras sobre mujeres. Así pasa del expresionismo a la técnica del 'action painting'.

De Kooning veía el arte como unión al movimiento corporal. De ahí que su pintura sea abstracta y de colores muy intensos. Sus obras en esta etapa, al ser figurativas, tienen gran repercusión respecto a otros de sus colegas de la época. Se trata de obras planas que reflejan a una mujer degradada. Grandes ojos sin reflejos, muslos opulentos… Llegan a tener una percepción freudiana.

Muchos críticos consideran este simbolismo y degradación como uno de los miedos sexuales que tiene el hombre respecto a la mujer en la actualidad.

Gracias a esta obrael autor empieza a ganarse un hueco en el mundo del arte teniendo muy buenas críticas y una gran acogida. La finalizó en 1944 y es considerado uno de los cuadros más originales en el arte del siglo XX.

Sus influencias más destacadas son artistas como Munch, Van Gogh y Goya.

Será en los años 40 cuando Bacon empieza a hacer su nuevo estilo, unas pinturas más desgarradoras dentro del arte contemporáneo. Introducido entre los pintores expresionistas, en 1949, el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA) compra una obra suya.

Destaca la gran pasión del pintor por el desorden. Bacon tenía un garaje lleno de objetos y recuerdos, tantos, que pisaba sus obras cuando tenía que entrar. Cuando murió el autor, su garaje fue donado por su heredero al museo Hugh Lane Municipal Gallery de Dublín y es considerado como una obra de arte en sí misma.

Marcus Rothkowitz, más conocido como Mark Rothko fue un pintor y grabador nacido en Letonia pero que vivió en EEUU casi toda su vida. Su obra se considera 'abstracta' pese a que no le gustara esta denominación para sus cuadros al autor.

'Red, Orange, Tan and Purple' pertenece a una colección privada. Esta obra pertenece a la etapa en la que empezó a realizar grandes cuadros con capas finas de color. Así, a partir de 1947 comenzará la abstracción en su obra siendo mucho más simbólicas. En estos años realiza la famosa serie de las Multiforms, obras donde predomina el color. Una visión atemporal determina estos cuadros donde predomina la corriente expresionista.

La obra de Rothko no era interpretada como el autor quería que fuese. Esto le frustó durante muchos años. Al final de su vida su obra cambia y pasará de colores intensos y luminosos a tonalidades oscuras con un mensaje trágico. Se manifiesta en sus cuadros el malestar y la depresión del pintor que acaba suicidándose. Se asemeja un paralelismo entre la muerte del artista y su obra.

Antoni Tápies nació en Barcelona en 1923. Su pasión por arte le llevó a dejar la carrera de Derecho y dedicarse a lo que más le gustaba. El s. XX marca la historia de su pintura. La sensibilidad hacia artistas exiliados durante la II Guerra Mundial le da creatividad y plasma en su obra la tierra, el polvo, los átomos y las partículas.

'Jeroglífico' está realizado en 1986, década en que renueva técnicas y temáticas volviendo a un cierto "informalismo". En esta época estará influenciado por el arte postmoderno, sobre todo el neoexpresionismo alemán, e irá incorporando elementos figurativos a su obra. Esta obra se trata de una pintura barniz y un collage sobre la tela, mide 130 x 194 cm y pertenece a una colección privada.

A Jackson Pollock (28 de enero de 1912- 11 de agosto de 1956) se le considera uno de los pintores más importantes estadounidenses del S. XX. Fue todo un referente en el movimiento del expresionismo abstracto. Sus obras serán reseñadas por el Moma y se le relacionará con el surrealismo donde pretende reflejar los fenómenos psíquicos dentro del pintor. Algunas de las influencias de Pollock son otros artistas como Piccaso, el surrealismo, el psicoanálisis jungiano (usado como terapia contra el alcoholismo) y la cultura de los indios (sobre todo en sus formas simbólicas y sus pinturas de arena).

Más adelante su obra da un giro desarrollando la técnica del "splashing" o del dripping (lanzar pintura al lienzo o dejarla gotear encima). Una de las peculiaridades de Pollock es que extendía la tela en el suelo y "danzaba" a su alrededor derramando la pintura en la misma. Su obra 'Número 32' es un claro ejemplo de ello. Se trataba de no trabajar sobre el lienzo sino en él. Un trágico accidente de coche acabó con la vida de este artista.

Este cuadro del pintor francés Claude Monet fue pintado en 1872 y se encuentra expuesto en el Museo de Baltimore.

Este autor puramente impresionista refleja en toda su obra un claro esfuerzo por incorporar el nuevo modo de visión, sobre todo el carácter de la luz, mientras que la composición de grandes masas y superficies sirve únicamente para establecer cierta coherencia.

En "The Reader", Monet utiliza una vez más a su modelo favorita: su hijastra Suzanne, la cual fue una pintora con mucho talento influida por su padrastro.

De todos los impresionistas, Monet fue el que con más énfasis practicó el pleinerismo (la pintura al aire libre).

La obra más famosa del pintor austriaco Gustav Klimt data de 1907 y se exhibió por primera vez en 1908 en una muestra titulada Los Amantes. La pintura muestra a una pareja en un momento muy íntimo: un hombre abraza y besa a su amada y ésta recibe la muestra de afecto con los ojos cerrados y arrodillada. La pareja se encuentra en un florido prado que, sin embargo,se interrumpe de forma abrupta en la composicióny desemboca en un precipicio... Este canto al amor de El beso toma en cuenta los peligros a los que se enfrentan una pareja de amantes. Según los especialistas, la escena podría ser autobiográfica: Klimt junto a su buena amiga Emile Flöge. En el Palacio Belvedere de Viena (Austria) cuelga de forma permanente El beso.

"Baile en el Moulin de la Galette", es una de las obras más célebres del pintor impresionista francés Pierre-Auguste Renoir, que se conserva en el Museo de Orsay en París, siendo uno de los cuadros más emblemáticos del museo.

Fue expuesto en la III exposición de los impresionistas (1877). Desde 1879 hasta 1894, estuvo en la colección de Gustave Caillebotte. Éste lo legó al Estado, quien lo aceptó en 1894. Estuvo en el museo de Luxemburgo (París) de 1896 a 1929, año en que se atribuyó al Museo del Louvre. Desde 1947 a 1986: Museo del Louvre, Galerie nationale du Jeu de Paume, París. Al Museo de Orsay pasó en el año 1986.

Renoir era maestro en representar los eventos comunes cotidianos. En esta obra maestra del impresionismo fija un momento de la vida parisina en una atmósfera de feliz abandono. Presenta a la gente sencilla y popular que se divierte un soleado día de verano en el moulin de la Galette. Este establecimiento era un antiguo molino, reconvertido en café, al que se acudía los domingos, porque allí se celebraba un baile muy concurrido.

La composición se desarrolla en torno a un esquema curvilíneo, del primer plano hacia el fondo, siguiendo las diagonales del cuadro. La pincelada es borrosa. Consigue un gran colorido y efectos de luz, como filtrada a través de las hojas.

Por último, en el primer plano aparece Georges Rivière, amigo de Renoir. Era un escritor y crítico que defendía a los impresionistas.

Es un cuadro realizado al óleo sobre lienzo por el pintor francés Claude Lorrain. Mide 148 cm de alto y 194 cm de ancho. Fechado en 1648, actualmente se encuentra en la National Gallery de Londres.

La temática escogida para este cuadro gira en torno a la figura mítica de la Reina de Saba, referida en los libros Reyes y Crónicas de La Biblia, el Corán y en la historia de Etiopía, gobernante del Reino de Saba, un antiguo reino en el que la arqueología presume que estaban localizados los territorios actuales de Etiopía y Yemen. Según el Antiguo Testamento, la reina acude a Israel habiendo oído de la gran sabiduría del rey Salomón, quedando tan impresionada por la sabiduría y las riquezas del sabio rey hebreo que se convirtió al monoteísmo, entonando una alabanza al dios Yahvé.

Lorrain escogió una escena inusual en la iconografía bíblica, la del viaje de la reina de Saba hacia Israel, componiendo un escenario de aire bucólico, bañado en una espléndida luz de amanecer, situando el sol naciente en el centro del cuadro, en el punto de fuga del horizonte, donde inevitablemente se dirige la mirada del espectador. La escena se enmarca en una arquitectura de tipo clásico, con un puerto repleto de barcos y pequeñas barcas de remos, y numerosas figuras humanas con vestimentas que evocan la tradición greco-romana. El artista puso gran cuidado en todos los detalles del cuadro, destacando las imponentes columnas de orden corintio situadas a la izquierda, el galeón a la espera de recibir a la reina, las operaciones de carga en las barcas, según la leyenda, la reina llevó numerosos regalos a Salomón, figuras como la de la mujer pobre o el muchacho recostado observando la escena, y la reina de Saba bajando las escaleras en dirección a la barca, vestida de rojo y azul y con una corona de oro.

Dido construye Cartago, o el auge del reino cartaginés, de Joseph Mallord William Turner.Sobre la composición, Lorrain empleó la técnica del "repoussoir", una forma de pintar por capas que dan sensación de regresión espacial, de profundidad en el horizonte. El contraste entre la claridad del sol y la oscuridad de las arquitecturas circundantes provocan igualmente un efecto de profundidad del cielo, de perspectiva en fuga. La maestría del artista en matizar los tonos de color consigue de forma magistral esta sensación de profundidad, al ir graduando los colores hacia tonos más fríos conforme se alejan en el espacio. Los colores del alba, conseguidos con distintas gradaciones de amarillo ocre y blanco de titanio, denotan cotas de gran perfección en la plasmación pictórica de la luz, como pocos artistas más del barroco consiguieron hacer, equiparable a la obra de grandes maestros como Velázquez y Vermeer. También es de destacar el cromatismo del mar, en combinaciones de azul índigo y amarillo ocre que proporciona unos tonos verdosos que parecen reflejar a la perfección el reflejo de la luz sobre la superficie del agua.

Sobre este cuadro existe una anécdota famosa relativa al pintor inglés Joseph Mallord William Turner: el artista donó su cuadro Dido construye Cartago, o el auge del reino cartaginés (1815), de similar composición a las típicas de Lorrain, a la National Gallery con la condición de que fuera colgado junto al Puerto con el embarque de la Reina de Saba de Lorrain.